DRAGÓN (la leyenda de Bruce Lee)

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Sí hay una película que relate una biografía de una manera intensa, divertida, emocionante y que realmente sienta que el tiempo ha pasado por la vida de un personaje, ésta es DRAGÓN (la leyenda de Bruce Lee). Para mí Scorsese es el rey narrador de historias que cuentan la vida de un solo personaje, pero en 1993 se encontró a la altura Rob Cohen, quien escribió el guión junto a Edward Khmara y John Raffo, el cual supervisó y dio luz verde Linda Lee, la viuda de Bruce Lee.

La historia relata fielmente la vida del maestro de artes marciales y creador del  “jeet kune do”, de una manera magistral. Con un Jason Scott Lee maravilloso y acertadísimo para dar vida a Bruce Lee.

Me da pena que una película como ésta no tenga ningún premio ni reconocimiento, y en cambio otras películas de menor nivel, pero de directores reconocidos, sí que los obtengan… esto confirma el mamoneo que hay en Hollywood.

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La cinta es de 1993, y explica desde que nace hasta que muere, como un solo hombre fue capaz de triunfar de la nada, en un país racista como es EEUU, y como triunfó tanto en el sector de artes marciales, llevándolas a América en contra de sus propios compatriotas, hasta en el cine de Hollywood, un sitio prohibido para los orientales hasta que él abrió el camino.

Durante el transcurso nos detenemos en su relación con Linda, quien fuera su mujer y madre de sus dos hijos, Shannon y el malogrado Brandon. Una relación en la que tuvo que lidiar con el racismo de su suegra tomando decisiones cruciales para su vida.

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Una maravillosa fotografía, una producción artística espectacular y una ambientación de Oscar, nos meten de lleno en unos años 60, 70 de infarto. La música de Randy Edelman se adapta perfectamente a lo que las imágenes nos ofrecen, se casa con cada fotograma y emociona en los momentos tanto dramáticos como de máximo clímax. Los personajes van apareciendo de manera continua dando ritmo y vida al film, y los acontecimientos son meramente retocados para adaptarlos de una forma más cinematográfica y siempre con la licencia que da el realismo.

Cuando hablamos de DRAGÓN no hablamos de una película de artes marciales, hablamos de un Biopic, y tal vez uno de los mejores que se hayan llevado a la gran pantalla. Desgraciadamente pasó desapercibido por los festivales, pero no por las salas, que se llenaron de amantes y no tanto, de las artes marciales.

DRAGON: THE BRUCE LEE STORY, from left: John Cheung, Jason Scott Lee, 1993, © Universal
DRAGON: THE BRUCE LEE STORY, from left: John Cheung, Jason Scott Lee, 1993, © Universal

El cometido de este film no era explicar cómo murió Bruce Lee, sino cómo vivió, como bien narra la voz en off de Linda Lee al final del metraje. De hecho no termina con su muerte, tan sólo se explica como en un epílogo, como algo sin importancia, porque la importancia de este film era su vida y su aportación. Una verdadera maravilla menospreciada.

Por Isaac Berrokal

Arnold Schwarzenegger (Desafío Total – Biografía)

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Vamos a incorporar una categoría nueva a La Muvida, hablaremos de libros recomendados de biografías de actores, directores, y demás figuras del séptimo arte.

Para empezar quisiera recomendar la autobiografía extensa, pero no por ello aburrida, de Arnold Schwarzenegger, el cual nos pasea por toda la historia de su vida desde su nacimiento en un pueblecito de Austria, hasta sus grandes logros en EEUU.

Para quien sepa poco de este actor/culturista, se sorprenderá cuando descubra lo increíblemente inteligente que es. Pues muchos piensan (hasta que leí el libro, yo pensaba igual) que el tipo se hizo culturista y de ahí al estrellato, y no fue así.

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Antes de convertirse en actor tuvo que ponerse muchas metas, metas que iba consiguiendo con mucho esfuerzo y sacrificio. Ser campeón mundial de culturismo fue uno de los retos, y por supuesto le llevó a EEUU, pero allí su cometido no fue ser actor hasta mucho tiempo después… antes fue albañil, y formó una empresa de albañilería donde amigos culturistas se apuntaron para sobrevivir en un país como Ámerica, donde los alemanes no eran del todo bien acogidos (ni ellos ni ninguno que no fuera yanqui).

Largas noches de estudio del inglés, compaginados con largas jornadas de trabajo en la obra, le dejaban apenas 2 ó 3 horas para dormir… pero su propósito era claro, ser americano, lo de ser actor vino después, cuando probó lo de estar frente a una cámara en anuncios para televisión. Pero nadie le quería porque no hablaba bien el inglés y no sabía interpretar… estos fueron algunos consejos de productores a los que él mismo preguntó, pero al recibir tales respuestas él se picaba y se ponía de meta, no sólo ser actor, sino un actor reconocido de Hollywood… a lo que los productores sólo podían echar unas carcajadas en su cara.

CONAN THE DESTROYER, Arnold Schwarzenegger, Grace Jones, 1984
CONAN THE DESTROYER, Arnold Schwarzenegger, Grace Jones, 1984

Miles de anécdotas en un libro de casi 700 páginas donde se divide en varios actos de su vida. Desde su infancia y su meta para ser campeón nacional (después los siguientes títulos) de culturismo, su estancia en EEUU como empresario, y su faceta como actor y gobernador de California.

Recomendable para quienes les fascinen las vidas de película, aunque siempre podéis esperar a que hagan la película.

Por Isaac Berrokal

EL DOBLAJE (cuando el arte devora al arte)

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El doblaje es a día de hoy un tema muy debatido. La radicalidad de los apasionados por la versión original suele quedar en entredicho justamente por eso, por la manera y las formas en que defienden el cine en versión original en una acalorada discusión.

Por mi parte debo decir que siempre he sido un apasionado del doblaje, y he “estudiado” esta profesión descubriendo un buen potencial que los propios profesores me han aplaudido. Pero dentro de esta profesión he descubierto un gravísimo error, y es que el actor de doblaje ha pasado de plasmar una interpretación de un actor, a formar parte de un círculo cerrado de “estrellas” del doblaje, con lo cual se ha dejado de “imitar” una interpretación para ser el propio actor de doblaje, y su estatus, el que se ponga por encima del actor a doblar. Un ejemplo puede ser Pepe Mediavilla, un gran actor de doblaje pero que no modula su voz ni un poquito para depende de qué personaje… todos sus personajes tienen la misma tonalidad, el mismo carisma y en definitiva la misma identidad (es la voz de Morgan Freeman, para que tengáis el referente).

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Hasta que no entré a formar parte del alumnado de doblaje no me di cuenta de que la gente que dobla, y los que estudian para ello, son auténticos entendidos en el tema. Se saben los nombres de los actores de doblaje, y tienen su propio estatus de estrella en ese submundo tan mal visto por los actores y demás miembros del gremio.

Claro, yo no me daba cuenta, pero lo que admiraba era el otro arte… el arte de doblar, un arte parasitario que arrebata el trabajo del actor en pantalla y le chupa su arte hasta un 80%…. Claro, el doblaje visto por actores de doblaje es un arte añadido, como el músico que disfruta de la banda sonora de una película…

La cosa es que últimamente hay muchas producciones en televisión (series, realities, etc), y las cuatro voces en castellano son las que reinan en todas ellas. Esto llega a ser aburrido y agobiante. Porque ya no sólo escuchas estas voces en series y películas, resulta que Uma Thurman, Bruce Willis, Tom Hanks o Morgan Freeman también anuncian lavadoras, jamón cocido, hamburgueserías y lo que sea… la saturación es alucinante.

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A parte el hecho de haberse convertido en un arte dentro del arte, hace que los actores de doblaje ya ni se esfuercen, tan sólo son ellos mismos… ya no hay exigencias del guión, tan sólo cuatro amantes del doblaje que les nutren en su profesión con palmaditas en la espalda y buenos salarios.

Todo esto hizo que definitivamente viera las películas de siempre en versión original, y no sólo el cine independiente que no viene doblado. Fue entonces cuando entendí que el doblaje para espectadores amantes del cine es totalmente tóxico. Pero claro, para quienes sólo consumen cine por entretenimiento la cosa les puede dar lo mismo… Acostumbrarte a leer es cosa de dos o tres películas, después ni te enteras… aunque, seamos sinceros… una peli de Woody Allen es imposible de seguir, y a parte los subtítulos son resumidos por falta de tiempo en pantalla (habla rápido y las imágenes también)…

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Desde La Muvida animo a todo el mundo a ver cine en versión original subtitulada (VOS), descubrirán que las cintas son mucho más profundas, interesantes y de mayor calidad.

Por Isaac Berrokal

JUNGLA DE CRISTAL: LA VENGANZA (el final alternativo)

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Son muchos los buenos momentos que he pasado viendo esta película y seguramente, a la mayoría de vosotros os haya pasado igual. Es un carrusel de acción y humor casi perfecto al que muchos (me incluyo entre ellos) ponen por delante del primer film de la saga. Hoy en LaMuvida queremos hablaros del final alternativo que se rodó y nunca se utilizó en el film.

Cuando John McTiernan volvió a la saga “Die Hard” para filmar la tercera entrega, (después de una mediocre segunda parte filmada por Renny Harlin) se propuso aumentar la acción, la amplitud y el mundo de Jhon McLane en todos sus aspectos. Dado que en la segunda entrega y aun ambientándola en un aeropuerto, el bueno de Renny Harlin sólo había conseguido copiar los “tics” de la primera entrega, pero en un film mucho más irregular y la sensación de estar en un aeropuerto en vez de en un edificio brillaba por su ausencia. A McLane no se le notaba ninguna evolución respecto al primer “Die Hard”…los personajes secundarios eran mucho más planos y aunque la película de Harlin es muy digna, no había ningún momento realmente remarcable o inolvidable en ella.

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McTiernan decidió dar toda la amplitud que podía dar la ciudad de Nueva York, rodando en ella escenas inolvidables por todas partes. Obtuvo los permisos correspondientes y nos regaló una panorámica inolvidable… empezando por el principio de la película mostrando el tráfico y el trasiego de la ciudad, mientras sonaba “Summer in the city” de fondo, hasta la explosión de la primera bomba frente a uno de los mayores centros comerciales de NY en los años 90; nos presentó a un McLane resacoso, abandonado por su mujer y suspendido de empleo y sueldo; nos regaló, quizás, uno de los mejores compañeros para un héroe que se han visto en la historia del cine, “Zeus Carver” (genial Samuel L Jackson); y volvió a poner a un villano de altura, maquiavélico, excéntrico y con ganas de venganza por la muerte de su hermano a manos de McLane, al que definió como “un poli irlandés y paleto” (el hermano era Hans Grueberg, el villano de la primera película).

Lo que no pudo poner McTiernan fue el final que rodó en un principio para este genial film. Para ser sinceros, hubo dos finales alternativos, el que se rodó y que os mostraremos más abajo, y otro que no pasó de ser una idea. Éste ultimo se desechó muy al principio del rodaje.

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En este final, la bomba que Zeus entrega a uno de los falsos policías (la bomba de la fuente del elefante que les hace calcular los galones exactos de agua para desactivarla) no vuela la presa donde McLane surfea encima de un camión por el acueducto, sino que al final de la película, aparece en el avión donde Simon y su batallón huyen. Simon abre el maletín sin saber que es la bomba y dice en todo jocoso: “¿alguien tiene 4 galones exactos de agua para parar esto?”… acto seguido estalla la bomba en el avión.

Este final se desechó porque había ciertas similitudes con el final de la 2ª película de la saga y porque McTiernan quería filmar el “surfing” de McLane en el camión.

El otro final, que sí se rodó, era mucho más crudo y fue el estudio quien decidió no incluirlo en la película porque consideraba que el personaje de Bruce Willis no era vengativo, sino que actuaba en defensa propia debido a las circunstancias que le rodeaban. Si nos fijamos bien cuando vemos la película, la acción realmente acaba con la explosión del barco…nuestros héroes descubren en el puerto que Simon “ha ganado”, hasta que McLane se acerca a una cabina telefónica a llamar a su ex mujer, mira la base de un bote de aspirinas que antes le dio “Simon” y suelta el teléfono mientras grita “¡¡¡ Espera Zeus!!!”. Luego nos traslada a Canadá donde sucede el acto final.

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Sin embargo, en el final alternativo, la escena de la cabina no existía y los hechos sucedían así:

En el bote de aspirinas, no ponía nada de Canadá, sino que había sido adquirido en una farmacia de un país del este de Europa (en la escena rodada, McLane dice que la dirección del bote de aspirinas le llevó a una farmacia alemana (podéis comprobarlo en el vídeo)). Sin embargo, en la escena en cuestión, Simon habla en Húngaro, por lo que puede que McLane  le “sacase la información a hostias” al farmacéutico para llegar al restaurante donde sucede la escena (aunque no se especifica que estén en Hungría). Simon, fundió los lingotes de oro robados y los transformó en estatuillas del “Empire State” para sacarlos sin problemas de Estados Unidos. A McLane, que ha dejado de beber, le echan de la policía porque creen que ha sido el autor del robo (aunque por lo que dice en el vídeo, el jefe de la policía le cree y trata de que le den la pensión)… el resto no os lo cuento y dejo que lo veáis en el vídeo.

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En mi opinión, este final, demostraba que lo acaecido en la película afectaba psicológicamente al personaje de una manera importante (aunque no es seguro, en algunos comentarios del director se afirmaba que Zeus también había muerto debido a las heridas sufridas)…y en cierto modo, era un final más redondo, ya que al final McLane le hacía el mismo juego a Simon, que había estado sufriendo todo el film. Era mucho más original y… bestia.

El vídeo tiene comentarios escritos en castellano… ¡¡¡Que lo disfrutéis!!!

por Adrián Alfaro

RESOLUTION (terror en segundo plano)

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Justin Benson y Aaron Moorhead dirigen este film con guión del propio Benson. Una película filmada casi en su totalidad a hombro, para plasmar la historia de un amigo que ayuda a otro a salir de las drogas, y lo hace de una manera peculiar y muy radical, esposándole a una barandilla dentro de la propia caseta de campo en la que se encontraba. Una caseta que resulta no ser suya, sino de unos tipos de una reserva india con muy malas pulgas, que les advierten de un peligro que no desvelan en ningún momento, y les dejan permanecer allí 5 días a cambio de dinero.

En mi opinión, lo último que da es miedo, pues se centra más en los diálogos y el drama, que en los cuatro elementos paranormales que se encuentran en ella. Con dos actores muy bien puestos (recomiendo la versión original) y creíbles, que ahondan en la trama de una manera divertida y repleta de salidas humorísticas por parte del propio enfermo.

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En cuanto al factor terror, como digo, es escaso y se entiende a duras penas. Recuerda un poco a “Carretera Perdida” (Lost Highway – 1997) en la parte donde los protagonistas van encontrando filmaciones de ellos mismos en cintas VHS, CDs o en el propio portátil. Este es el elemento “horror” de la cinta, y es que de alguna manera las grabaciones se van convirtiendo en grabaciones futuras que advierten lo que les va a suceder en unos minutos, dando lugar a escapar del escenario con la intención de salvar su vida, pues las “grabaciones futuras” contienen imágenes de su muerte.

A priori suena muy bien, pero creo que los dos directores se han despistado un poco y no consiguen transmitir miedo alguno. La falta de música y efectos sonoros para resaltar las escenas, hacen perder mucha fuerza a las escenas.

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La cinta no está mal, pero creo que no debería de catalogarse de cine de terror, puesto que a los fans de este género les va a decepcionar bastante.

Por Isaac Berrokal

INTERSTELLAR (el tema que Nolan modificó)

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Hay películas que quedan ligadas a su banda sonora y son de esta manera indestructibles: E.T, Regreso al Futuro, Jurassic Park…. Con el tiempo ese tipo de cine se ha perdido un poco, y muchas veces las bandas sonoras quedan un poco en segundo plano… Pero de pronto te encuentras con “Interstellar”, creada por Hans Zimmer, una película con una banda sonora tan absolutamente perfecta y grandiosa, que de nuevo se suelda a las imágenes sin que una pueda vivir sin la otra.

Tocada en un antiquísimo órgano de iglesia, y en el interior de ella… aprovechando la acústica exclusiva para ese tipo de instrumento tan bárbaro, y demostrando así la importancia de la música para Nolan.

En La Muvida os dejamos un tema original de la banda sonora, un tema que finalmente fue modificado sonando mucho menos potente, pero que por los motivos que fueran, Nolan así lo decidió. Ésta fue la primera versión.

por Isaac Berrokal

FUNNY GAMES 1997 – 2007 (dudas y curiosidades)

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Mucha gente se pregunta por qué Michael Haneke realizó la segunda película de Funny Games en 2007, 10 años después de la original. La mayoría de los cinéfilos se dejan llevar por la fiebre de lo “original” alegando que la de 1997 es mejor, y esto sin ningún tipo de argumento con peso, más que alegar que es cine europeo y es mejor.

Haneke dejó bien claro en las entrevistas que encontramos en el DVD de Funny Games (2007) , el porqué de esta decisión.

Antes de nada hay que saber que Michael es una persona que detesta la violencia, y que el cine que hace uso de ésta para divertir le parece deleznable. Por ello, Tarantino es probable que esté en su lista negra de directores no deseados…

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Funny Games es una denuncia a la violencia cinematográfica gratuita. A parte encontramos, por supuesto, una trama donde cabe la denuncia a cierto tipo de chavales que al tenerlo todo,  sólo encuentran diversión en lo ilegal y la violencia a gente indefensa. Claro que Haneke pensó en una trama que acompañase a su denuncia principal, que tontería.

Realizar de nuevo la película fue una cuestión de público. El film de 1997 no salió de Europa, y teniendo en cuenta que los grandes consumidores de cine violento son los americanos, no tenía sentido mandar el mensaje a un público más civilizado y consciente, por  lo que debía quitarse el gusanillo de alguna manera… ¿cuál? Realizar la película en América con actores americanos, pues todos sabemos que en USA nadie ve cine que no sea de USA.

Naomi Watts se ofreció a producirla, y por supuesto a interpretar uno de los personajes. Naomi es una bestia cinematográfica, y al reparto se unió el gran Tim Roth, otra bestia interpretativa que, por mucho que pataleen los pro-originales, son mejores actores que los del film del 97:  Susanne Lothar y Ulrich Mühe. Pero debo decir en cambio que aunque los despiadados personajes interpretados por los americanos Michael Pitt y Brady Corbet son estupendos en pantalla, tal vez me decante más por el trabajo de los alemanes Frank Giering y Stefan Clapczynski, pues me parecen más crudos y naturales.

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Funny Games debía llegar al público americano como sea, y por esta vez Haneke dejó a un lado la fotografía natural de sus films para hacer algo que detesta, iluminar convencionalmente la película con el fin de atraer al público más mediocre. Debemos tener en cuenta que la iluminación del cine europeo es bastante distante del americano, más natural podríamos decir.

Haneke aprovechó para pulir su cinta, solventando errores que a su parecer había tenido en la original. Si observáis las dos cintas os daréis cuenta de que ha respetado cada plano, cada ángulo de cámara, y cada detalle de la  película original, y es que cuando el austriaco hace un film lo tiene muy medido como para cambiar nada en una segunda versión.

Otra cosa que debemos saber de él, es que es músico, director de orquesta y un apasionado de la música clásica. Tanto es así que declara no utilizar música en su cine por tenerlo completamente al margen… “la música es un elemento sagrado que no debe mezclarse con cualquier otra cosa con el fin de entretener”. En su película “La Pianista”  (2001) homenajea este arte poniendo a su protagonista como profesora de piano, una excepción en toda regla.

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En Funny Games utiliza uno de los temas más aberrantes del grupo “Naked City” para entender la violencia como aberración al ser humano, y no como diversión. El tema “Bonehead” es lo más parecido al descontrol, el mal gusto y la crispación que pueda imaginarse, un descontrol de instrumentos y gritos alocados que inducen al caos, justamente lo que quiere que entendamos para su historia… la violencia gratuita, sin motivo alguno más que la diversión de unos niñatos consentidos.

Hubo mucha polémica con la escena donde la mujer dispara al chico y le estampa contra la pared… la famosa escena del rebobinado. En esta escena todo el público asistente en Cannes se quedó a cuadros cuando vieron cómo la cinta se rebobinaba tras disparar al “malo”…. ¿qué pretendía Haneke con esta locura?

Lo primero resaltar el valor del director Austriaco al incluir esto en su cinta sacando al espectador por completo de la historia… una decisión muy arriesgada y difícil de tomar cuando estás frente a la mesa de edición… pero Haneke no quería olvidar que su principal cometido era lanzar el mensaje de NO A LA VIOLENCIA, y para ello debía seguir adelante con esta idea.

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La cuestión es que el público acostumbrado al cine americano, donde llega un momento que el protagonista se hace con las riendas de la situación a base de puñetazos o disparos, era de esperar. Michael golpea la conciencia del espectador enseñándoles lo que quieren ver, para después arrebatárselo rebobinando la cinta y continuando con la realidad del asunto… digamos que por un momento el guión se va por derroteros de productor americano, para devolverlo al cine más crudo y europeo que podríamos imaginar.

Todo esto es cuestionable, pero recordemos que este director es muy personal y no caben criterios que no se amolden a su carácter y manera de hacer cine.

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Para concluir debemos explicar que a Michael Haneke no le van los finales felices… de hecho rara vez cuenta una historia que no se base en noticias de periódicos, noticias de la vida real que por regla general no acaban bien. Esto, y los finales abiertos son muy habituales, pues como él mismo dice: “las historias de la vida no contienen finales sorpresa”.

Toda esta información la tenéis en sus entrevistas, que por fortuna suelen venir en los extras de los DVD, cosa que agradecemos.

Por Isaac Berrokal