MIMIC (las cucarachas de Del Toro)

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Guillermo del Toro fue el encargado de llevar a la pantalla la novela de Donald A. Wolheim en su debut como director en Hollywood tras “Cronos” (1993).

MIMIC es del año 1997, con lo cual debemos de tener en cuenta lo que rodea a aquella maravillosa época de cine fantástico, pues los 90 fueron muy permisivos con los guiones que se escribían a destajo.

Lo bonito de Guillermo es su manera de ambientar y crear atmósfera en sus films. Colores amarillentos y muy cálidos dentro de una ciudad sombría y permanentemente bajo la lluvia. Calles que han dejado en nuestro recuerdo la América con la que quienes no la conocemos, soñamos a día de hoy.

La historia de por si es retorcida… jugar con cucarachas y que sean estas las antagonistas del film es ya bastante asqueroso, pero Del Toro hace bien su papel de director otorgándonos escenas donde estos bichos se retuercen y mueren víctimas de un pisotón, de la manera más repugnante posible para dejar bien claro que deben ser eliminadas…

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A mi parecer la película comienza muy entretenida y se va desinflando a medida que se desarrolla. Contiene personajes muy estereotipados de la época, que inclusive en aquel entonces llegaban a ser cansinos… y cuando llegamos a los “monstruos” ya no hay por donde cogerlo… Cucarachas gigantes que huelen la sangre cual tiburón, y que atacan sin piedad por las profundidades del suburbano… y de ahí no salimos.

Lo malo no es esto, sino el desarrollo de una historia que termina en una acción básica, donde las ocurrencias para salir de las situaciones son poco más que burdas, trilladas y lamentables… Restregarse el cuerpo de las vísceras de las cucarachas para que no huelan, y pasar desapercibido es algo que incluso en los 90 ya pecaba de uso… Aunque claro, teniendo en cuenta que ha día de hoy siguen utilizándolo en series como The Walking Dead… en fin…

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Del Toro tampoco salva la película con un final sorprende dotado de inteligencia, optando por el temido Happy End, donde al final el héroe se salva y se reúne con su amada en la parte trasera de una ambulancia, arropados por una manta marrón mientras la policía y los bomberos terminan de hacer lo que tengan que hacer… un final decepcionante, pero que en los 90 parecía ser la crème de la crème….

MIMIC es un estupendo ejemplo de fotografía, con una dirección de sello propio, pero que no es capaz de entretener hasta el final, y que termina haciendo que mires el reloj irremediablemente.

PULP FICTION (cabreo en Cannes)

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En 1994 PULP FICTION se hizo con la Palma de Oro, ganando así el festival de Cannes. Pero no a todo el mundo le gustaba este film violento y de humor negrísimo… En la entrega del premio, que lo otorgaba Clint Eastwood, a alguien le pareció denigrante que fuera esa la vencedora del festival, y no dudó en expresar su mala leche ante tal decepción gritándole a Tarantino desde la grada.

Recordando aquel incidente, he conseguido este video en YouTube, aunque lo tenéis mucho mejor documentado en los extras de la propia película, con opiniones del propio director al respecto.

http://dai.ly/x4s9h2

OCURRIÓ CERCA DE SU CASA (locura documentada)

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Este es un film belga que sin duda dio su pelotazo en festivales allá por 1992, consiguiendo grandes premios como: Mejor película y mejor actor (Benoît Poelvoorde) en el Festival de Sitges 1992, o el premio de la crítica internacional, el premio de la crítica francesa y el premio especial del jurado en Cannes 1992…. Todo un repertorio que cualquiera sueña cuando realiza su primer largometraje, y es que así fue, después de un corto en 1987 (Pas de C4 pour Daniel Daniel), se lanzó a este falso documental que catapultó la carrera del francés Benoît Poelvoorde, quien escribió y dirigió además de interpretar a su protagonista, este film.

También fue escrito y dirigido por su colega  Rémy Belvaux, que interpreta un papel dentro del elenco principal, y bueno, como si de un juego se tratase, y me da que de alguna forma todos escribieron algunas escenas sueltas que después se encargaron de conectar en el guión final… porque además de ellos dos, también escribieron André Bonzel y Vincent Tavier…

La cinta al tratarse de algo tan simple como filmar las andanzas de un asesino en serie que va mostrando sus diabluras, sus crímenes y sus pensamientos más íntimos ante la cámara, daba pie a escribir un sin fin de atrocidades dotadas de humor muy negro, que podrían pegarse fácilmente unas con otras sin llamar demasiado la atención en un guión final.

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SINOPSIS:

Un asesino en serie y ladrón es seguido a todas horas por un equipo de televisión que registra todas sus reflexiones para mostrarlas en un documental, al tiempo que el psicópata prosigue con sus criminales actividades.

La cinta empieza de manera muy interesante, con un asesinato, sin pie a más. Su fotografía en blanco y negro, su personaje desgarbado, alocado, y un argumento surrealista, son ingredientes que de primeras atrapan al espectador, pero que poco a poco se desinfla en un guión que parece quedarse estancado en las andanzas repetitivas de su personaje.

Vemos una película que en momentos se desfasa bastante perdiendo el cuidado de detalles que te sacan de la historia. Efectos de sangre mal hechos, muertos que siguen respirando, infartos interpretados por personas que seguramente no sean actores, o golpes contra un lavabo amortiguado por un brazo, que el ángulo de la cámara no tapa bien…. estos son detalles que te hacen sonreír y mantenerte fuera de la ambientación que podía haber tenido y no tuvo.

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La interpretación de Benoît Poelvoorde es tremenda, imparable… totalmente enfermiza y natural, esto equilibra la balanza y te permite ver la película hasta el final, a pesar de perder mucho interés a la mitad por no seguir una trama interesante.

Escenas realmente desagradables, como la violación de la mujer delante de su novio, o la muerte por asfixia del niño mientras charlan como si nada ocurriera, son escenas que se quedarán en la retina por muy mal rodadas que estén, y es que esto del found footage, que por suerte ya pasó de moda, ya estaba inventado con estos falsos documentales mucho antes de su boom con “La Bruja de Blair”.

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Lo bueno de la cinta es que a pesar de ser de 1992, no da en ningún momento la sensación de estar viendo algo viejuno sin el calificativo de antiguo, es más, se queda atemporal por el look de sus protagonistas (chupas rockeras que se llevan a día de hoy, y trajes negros a lo Reservoir Dogs, también actuales).

Es un película muy interesante, algo pesada, pero digna de tener en una videoteca para recordarnos de vez en cuando como se hace un film desagradable y enfermizo.

Se pueden aprender muchas cosas de ella.

RESERVOIR DOGS (el buen vino)

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La increíble apuesta de Lawrence Bender y Harvey Keitel por un guión distinto, interesante y muy violento, era de admirar a comienzos de los 90… y la cosa no quedaba ahí… dejar que lo dirigiera un novato como era por aquel entonces Tarantino (1991), tenía aún más mérito.

Todo seguidor de Quentin sabe que él pretendía rodar el film contra todo pronóstico… 30.000 $ y en 16mm, una peli de muy bajo presupuesto en aquellos lares. Algunas productoras le querían producir el film, pero con cambios en el guión como por ejemplo que aparecieran mujeres, y por supuesto que la violencia bajara su listón con el fin de llegar a más público, pero Quentin se mantuvo firme a su visión de la película, y no dejó que le mangonearan de ninguna manera.

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Pero si observáis el film a día de hoy, sigue siendo tan interesante su dirección, que cualquier “película de manual” se queda como un simple telefilm de media tarde por muy marca Hollywood que lleve el sello.

Cuando veo a Chris Penn y Lawrence Bender en un mismo plano, y donde Lawrence Bender permanece desenfocado mientras Penn habla, digo… ¡que huevos! La cosa es que si diriges cortometrajes sabes que arriesgarte a hacer cosas así puede ser sinónimo de un mal entendido por parte del público o el jurado… vamos, que pueden pensar que no tienes ni la más mínima idea de las reglas esenciales de la dirección, y muchas veces prefieres no arriesgar a que piensen que está mal dirigida.

No sólo en ese plano Tarantino arriesga, sino que en muchos planos donde por aquella época no era lo habitual, y que a día de hoy es más frecuente por la tendencia que generó tras Pulp Fiction en 1994. Planos secuencia, diálogos de más de 4 minutos (impensable para el nuevo Hollywood), y de más valentías, hacían peculiar este metraje.

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Reservoir Dogs sigue siendo un film muy interesante incluso casi 25 años después, repleto de diálogos que aunque tampoco contengan una alta dosis de genialidad, son suficientemente entretenidos como para dejarte pegado a la pantalla 99 minutos sin parar.

Existen muchísimas conexiones entre los films de Tarantino, por ejemplo el Sr. Rubio (Michael Madsen) se llama Vic Vega, supuestamente hermano de Travolta en Pulp Fiction (Vincent Vega), y sobre todo hace muchos guiños y referencias a anécdotas pasadas en su propia vida… por ejemplo las canciones que se oyen en Reservoir Dogs y en Pulp Fiction, eran las canciones que escuchaba su madre en casa, las cuales se quedaron grabadas a fuego en su memoria.

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Es evidente que su cine a evolucionado para bien o para mal. A mi personalmente me gusta más su estilo antaño, cuando jugaba con gangsters y personajes chulescos… Pero bueno, “siempre arroz” termina cansando. Un poquito de mafia, un poquito de kung fu, un poquito de western… Tarantino a su bola, como debe ser.

PI, FE EN EL CAOS (un Aronofsky arriesgado en su debut)

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Darren Aronofsky se llevó el premio al mejor director por está enfermiza película en Sundance ´98, y es que no es para menos. Cuando la alquilé por primera vez en el videoclub allá por el año 1999, 2000 (no lo recuerdo bien), lo hice simplemente porque el argumento, junto con la fotografía, me atraparon sin más.

SINOPSIS:

Max es un brillante matemático que está a punto de dar con el descubrimiento más importante de su vida: la decodificación del sistema numérico que rige el aparente caos del mercado bursátil. Pero primero ha de encontrar el valor del número PI. Mientras se acerca a la verdad, y afectado periódicamente por unas brutales jaquecas, Max es acosado por una agresiva firma de Wall Street y una secta judía que pretende descifrar los secretos ocultos tras los textos sagrados. Todos ansían apropiarse del inminente hallazgo de Max. 

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Aronofsky es a día de hoy uno de mis directores favoritos, y no por esta cinta en particular, sino por su estilo, que a pesar de abandonar en algunos films como “La fuente de la vida” (2006), o  “Noé” (2014), es muy reconocible en maravillas como “El Luchador” (2008), o “Cisne Negro” (2010), donde su gusto por el grano destacable en el film, y los planos a hombro dando lugar a secuencias realistas y bastante crudas, dejan un sello inconfundible (ojo, sello, que no “propiedad de”… que ya me conozco a algunos lectores del blog y su afán por que hable con propiedad…).

“PI” es su primer largometraje tras cuatro cortos; y con él atrapa la atención del jurado en el Sundance de 1998, donde una foto en B&N perfectamente quemada a cargo de Matthew Libatique, llamaba la atención de por sí. La manera de adentrarnos en la mente alocada y obsesiva de su personaje “,Max”, interpretado maravillosamente por Sean Gullette, nos va llenando de angustia, de paranoia, de sudores fríos… Aronofsky mueve la cámara de un lado a otro con el fin de inquietarnos, y lo logra sobre todo en los momentos de acción, donde cuelga la cámara de la cintura del protagonista enfocando a la cara, y le hace correr por la ciudad como loco.

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Los planos angulares, la saturación de los claro/oscuros, y los personajes que acompañan a la historia, son realmente un pieza fundamental para que todo se torne oscuro y atosigante…

Es difícil transmitir como lo hace en esta película, y sobre todo tomar la decisión de elegir planos complicados y muy arriesgados que pueden ser un todo o nada ante un público o un jurado conservador… Está claro que es un film que gusta o disgusta, con momentos donde las matemáticas, la ciencia y la física toman el protagonismo, y que si no eres algo curioso, puede llegar a aburrirte…

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Es la 5ª vez que la veo, y debo reconocer que no para de absorberme… como digo, esa fotografía es hipnótica, el ritmo, y sus personajes hacen el resto…

Recomiendo verla en versión original subtitulada, pues el doblaje en este film es de chiste.

AMISTAD (irregular)

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No vais a creerme, pero no había visto este film de Spielberg, por alguna razón no escuché buena crítica en su momento, me hablaban de mala documentación, de tener referencias históricas sobre la época en España muy desacertadas, y de ser una película dura (y de dos horazas  y media)… todo esto mezclado ha hecho que vayan pasando los años y no la viera.

Bueno, pues ayer la pude ver, con  casi 20 años de retraso…. Efectivamente hay un poco de lío entre españoles, portugueses y mexicanos… y es que aunque los americanos no lo sepan, los mexicanos, los argentinos, los cubanos y los españoles tenemos distintos acentos… y aunque puedas solventar que los tiranos españoles hablasen mexicano por alguna razón inexplicable en el film… la cosa es que esto quita credibilidad a los menos incultos.

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Spielberg ya la ha cagado alguna que otra vez con esto de los idiomas… pero se lo perdonamos porque nos cae muy bien y le adoramos…. AMISTAD tiene sus momentos duros, pero tal vez el hecho de haberla visto con 20 años de retraso, se me han hecho bastante menos duros de lo que esperaba. Aún así, es preferible no representar con exactitud todas las barbaries que el ser humano ha llevado a cabo, más que nada porque no deben ser reconocidas ni para el recuerdo de la atrocidad… en mi opinión, esta moderada la violencia.

La película me resultó lenta… muy lenta…. con momentos que apuntaban a la brillantez y que se quedaban en el camino. La banda sonora de John Williams incrementándose cuando el esclavo dice aquello de “libre a nosotros” una y otra vez en un in crescendo de su voz, no consiguió hacer caer la lagrimilla, ni siquiera estremecerme un poco… y mira que soy fácil para eso.

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Una duración de más de dos horas para acabar con un juicio insulso, presidido por un monólogo de un Anthony Hopkins que tampoco me pareció nada del otro jueves (ya sé que a la academia de los Oscar sí les pareció magnífica)…. Un final soso, sin majestuosidad… una especie de mezcla entre la grandiosidad que intenta darle Steven Spielberg, y un final más propio de Michael Haneke…

Lo cierto es que a mi parecer es una película bastante olvidable de un grande como es el papi de E.T…

Pero como siempre digo, esto no es más que la opinión de un tipo que escribe en un blog.

LA TORMENTA PERFECTA (drama edulcorado)

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El año 2000 aún reflejaba la esencia de los noventa, ese cine heroico acompañado siempre de una grandiosa banda sonora que engrandecía cada escena, y nos hacía estremecernos como niños…. A día de hoy esto se va perdiendo, y va quedando como un nostálgico recuerdo de cuando no nos importaba la física en el cine.

George Clooney no tiene pinta de pescador, más bien podría ser un reputado catedrático, al igual que su amiga pescadora, interpretada por Diane Lane, que nos da la sensación constantemente de ser su esposa, por su extrema educación y su personaje totalmente fuera de lugar ,en un ámbito de pescadores tan asalvajados…

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Como digo se trata de una cinta noventera a pesar de estrenarse en 2000, con el veterano director Wolfgang Petersen al frente, era inevitable llenar de fantasía escenas donde el mar más embravecido no ofrece ni una sola  consecuencia acorde con lo que sería en la realidad… pero los noventa molaban por eso, porque había licencia para tragarte todo lo que ahora no concebimos tan a la ligera.

Cuando el barco lidia con las olas de 15 metros, y Clooney dirige el barco dando vueltas como un poseso al timón… sin que se moviera un ápice de su sitio tras los empujones devastadores del barco…  me imaginaba mi disfrute si se hiciera a día de hoy, con un Clooney volando por la cabina y golpeándose atrozmente contra los cristales… lo poco que quedasen de ellos…

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El malogrado James Horner dotó a la cinta de magia, ilusión y aventura como sólo un grande como él podía hacer… Ver la película es disfrutar de su banda sonora, que en muchas ocasiones sobresale a las escenas filmadas.

Cine en familia con un sorprendente final al no existir el temido “happy end” típico de la época… Tal vez cante mucho la aventura paralela que viven los rescatadores del helicóptero, la cual parece ser más paja que otra cosa.

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Entretenimiento de salón… palomitas y un buen eructo tras el trago de cocacola final… no llega a conmover a fecha de hoy.